화가·일러스트레이터가 AI 생성 이미지와 공존하는 법

몇 년 전까지만 해도 ‘그림을 그리는 것은 인간의 창의적 영역’이라는 믿음이 흔들림 없이 유지됐다. 그러나 Midjourney, DALL·E, Stable Diffusion 같은 AI 이미지 생성 도구들이 등장하면서 상황은 급변했다. 몇 개의 키워드만 입력해도 수십 장의 완성도 높은 일러스트가 즉시 생성되고, 상업용으로도 사용 가능한 수준에 도달하면서 전통적인 화가와 일러스트레이터들은 위협을 느끼기 시작했다. 일부 클라이언트는 이미 AI 이미지로 작업 비용을 줄이고 있으며, 아트디렉터조차도 ‘아이디어 스케치’ 단계에서 AI를 활용하는 일이 일반화되고 있다. 이로 인해 디지털 페인터, 컨셉 아티스트, 캐릭터 디자이너 등 다양한 분야의 시각 예술가들이 실제 일감을 잃거나, AI가 자신의 작품 스타일을 모방한 사례로 충격을 받고 있다. 그러나 이러한 변화는 단순한 종말을 뜻하는 것이 아니라, 오히려 인간 창작자의 ‘진짜 가치’가 무엇인지 드러내는 계기가 될 수 있다. 이 글에서는 화가와 일러스트레이터가 AI 이미지 생성 기술에 밀려나지 않고, 오히려 이와 공존하면서 자신의 창작적 정체성과 생존력을 어떻게 지켜갈 수 있는지를 전략적으로 풀어본다. 예술은 기술보다 오래 살아남는다. 중요한 건 방향과 태도다.

 

 

AI 이미지 생성 기술의 급속한 확산과 화가들의 위기

AI 이미지 생성 기술은 2022년 이후 본격적으로 대중화되며 폭발적인 성장세를 이어가고 있다. Midjourney는 정교한 인물 묘사와 감성적인 표현으로, Stable Diffusion은 오픈소스를 기반으로 한 자유로운 커스터마이징으로, DALL·E는 텍스트 해석 능력과 조형적 정밀함으로 각기 다른 사용자 층을 형성했다. 그 결과 일러스트 시장은 물론, 웹툰, 게임 컨셉 아트, 광고, 출판 등 거의 모든 시각 콘텐츠 산업에 AI가 빠르게 침투하고 있다. 특히 프리랜서 일러스트레이터나 소규모 작가들은 클라이언트에게 “비용은 AI로 절감하고, 디테일만 수정하자”는 제안을 받는 일이 증가하고 있으며, 이는 인간 창작자의 전문성과 노동가치를 심각하게 훼손하는 방향으로 흘러가고 있다. 문제는 AI가 사람의 그림을 학습하여 생성된다는 점이다. 수많은 AI 훈련 모델이 작가의 동의 없이 업로드된 작품을 크롤링하여 학습에 활용하고 있으며, 이로 인해 일부 AI가 특정 작가의 화풍을 거의 동일하게 재현하는 수준까지 도달하게 되었다. 이 상황에서 작가는 저작권을 주장할 수도, 정확히 표절되었음을 증명하기도 어려운 이중의 곤란함에 처한다. 기존에는 고유한 화풍이 작가의 경쟁력이었지만, 이제는 그 화풍마저도 AI에 의해 빠르게 복제되는 시대가 되었다. 대형 플랫폼은 오히려 AI 이미지를 도입하며 콘텐츠 비용을 낮추는 데 집중하고 있고, 일부 포털과 이미지 거래 사이트는 AI 이미지를 사람의 그림과 같은 방식으로 유통하면서 혼란을 가중시키고 있다. 이와 같은 환경에서 인간 화가가 기존처럼 살아남기란 쉽지 않으며, 더는 작품만 잘 그린다고 해서 시장에서 선택받지 못하는 현실을 직시할 필요가 있다.

 

인간 화가와 일러스트레이터가 가진 대체 불가능한 창작 능력

AI는 이미지 생성에 있어 뛰어난 계산 능력을 바탕으로 시각적으로 완성도 높은 결과물을 제공하지만, 그 본질은 어디까지나 ‘학습된 조합’에 불과하다. 인간 화가가 창작하는 그림은 과거의 데이터를 단순히 재배열하는 것이 아니라, 순간의 감정, 경험, 의도, 메시지를 내포한 복합적 표현이다. 특히 일러스트레이터는 클라이언트의 니즈를 해석하고 스토리와 맥락을 시각화하는 역할을 수행하기 때문에, 단순히 예쁜 그림을 그리는 것 이상으로 커뮤니케이션 능력과 개념 해석력이 요구된다. 예를 들어 AI는 “기대와 불안을 동시에 느끼는 12세 소녀가 어두운 숲에서 무언가를 찾고 있는 장면”이라는 요청을 기술적으로 구현할 수는 있지만, 그 캐릭터의 표정과 시선, 배경의 공기감, 색채의 심리적 연결까지 정교하게 조율하는 일은 인간 작가의 감성과 해석이 필요한 부분이다. 또한 인간 작가는 특정 프로젝트의 방향성과 톤앤매너, 타깃 오디언스의 반응까지 고려하며 그림을 설계하는 전략적 창작자다. 더불어 인간 작가는 작업 과정에서 클라이언트와 의견을 주고받으며 피드백을 반영하고, 문제를 조율하며 최종 결과물의 완성도를 끌어올리는 역할을 수행한다. 반면 AI는 이런 인터랙션에 취약하며, 오류가 발생했을 때 ‘의도’나 ‘맥락’을 이해하지 못하고 다시 계산만 반복할 뿐이다. 게다가 작가의 작업은 단순히 시각 결과물이 아니라, 그 사람이 가진 브랜드와 철학, 작업의 히스토리, 팬과의 관계성 등 다양한 무형의 자산이 결합된 결과물이다. 이러한 창작적 정체성과 ‘작가성’은 아무리 정교한 AI라 해도 모방할 수 없는 고유한 경쟁력이다.

 

AI와 공존하기 위한 화가·일러스트레이터의 전략

AI를 무작정 배척하거나 공포의 대상으로만 보는 태도는 오히려 작가의 생존을 더 어렵게 만든다. 중요한 것은 기술을 ‘도구’로 받아들이고, 그 위에 인간만의 창의성과 감성을 더해 새로운 가치를 만들어내는 전략이다. 첫째, 작가는 자신의 작업 과정 자체를 콘텐츠화할 필요가 있다. 예를 들어 스케치부터 채색까지의 과정을 타임랩스로 보여주거나, 아이디어가 어떻게 발상되는지를 브이로그나 짧은 콘텐츠로 기록하면, 사람들은 단순히 결과물이 아닌 ‘작가의 사고 과정’에 공감하게 되고 이는 AI가 절대 제공할 수 없는 고유한 정체성이 된다. 둘째, 작가는 AI를 활용한 창작 실험을 병행할 수 있다. 예를 들어 AI가 만든 러프 이미지를 기반으로 리디자인하거나, Midjourney로 떠오른 장면을 참고하여 다시 수작업으로 해석하는 방식은 효율성과 창의성을 동시에 잡는 전략이 된다. 셋째, 팬 커뮤니티와의 직접 소통 채널을 강화해야 한다. SNS, 유튜브, 디스코드, 티스토리 등 다양한 채널을 통해 자신의 그림 세계관, 캐릭터, 창작 일지를 지속적으로 공유하면 사람들은 ‘작품’보다 ‘작가’를 기억하게 된다. 이는 단순히 결과물로만 평가받는 AI 이미지와 명확한 차별점을 만드는 데 효과적이다. 넷째, 작가는 자신의 작업물을 NFT나 디지털 저작권 시스템을 통해 등록하고 보호하는 전략도 고려해야 한다. 무단 복제나 학습을 방지하기 위한 워터마크 삽입, AI 학습 거부 옵션 등록 등 기술적 대응도 병행함으로써 자신의 창작물을 스스로 보호할 수 있다. 다섯째, 작가는 협업 전략을 강화해야 한다. 예컨대 웹소설 작가, 게임 개발자, 유튜브 크리에이터와 협업하여 AI로는 구현하기 어려운 스토리 기반의 일러스트, 감정 연기 기반의 캐릭터 디자인 등을 제공하는 방식으로 고유 시장을 확보할 수 있다. 이처럼 작가가 단순한 제작자에서 콘텐츠 전략가로 진화해야 하는 시점이다.

 

AI 시대, 미래 생존 로드맵: 작가가 주도권을 갖기 위한 실행 방향

화가와 일러스트레이터가 AI 시대에 생존하기 위해서는 단기 대응이 아닌, 장기적이고 체계적인 로드맵이 필요하다. 첫 번째 단계는 ‘기술 리터러시’ 확보다. 작가는 AI 생성 기술의 원리와 한계를 정확히 이해해야 하며, Midjourney, DALL·E, Firefly 등 주요 툴의 특성과 사용 사례를 분석함으로써 대응 전략을 설계할 수 있어야 한다. 두 번째는 ‘자기 분야의 차별화’다. 어떤 작가는 감정 표현에 특화된 인물화를, 또 다른 작가는 민속적 소재나 특정 문화 기반 일러스트를 전문화할 수 있다. 이처럼 자신만의 콘셉트, 스타일, 세계관을 강화하고 명확히 브랜딩해야 AI 이미지와 구별되는 고유 가치를 구축할 수 있다. 세 번째는 ‘글로벌 확장’ 전략이다. 국내 시장에서 AI와의 가격 경쟁으로 수익이 줄어드는 상황에서는 해외 플랫폼(예: ArtStation, Behance, Ko-fi, Gumroad 등)을 통해 더 넓은 시장으로 진출할 필요가 있다. 글로벌 팬층 확보는 작가의 생존 가능성을 높이며, 특히 개인 스토어 운영과 같은 자체 판매 채널도 장기적으로 중요해진다. 네 번째는 ‘커뮤니티 기반의 영향력 확대’다. 팬들과의 지속적인 관계 구축, 창작 과정을 공유하는 소통형 콘텐츠, 후원 시스템(예: Patreon, 텀블벅 등)은 작가가 작품 이외에서 수익을 창출하고 지지층을 형성할 수 있는 핵심 전략이다. 마지막 다섯 번째는 ‘집단적 대응’이다. 작가 개인의 힘만으로는 AI 저작권 문제나 이미지 무단 수집을 막기 어렵기 때문에, 법적 장치 마련을 위한 작가 단체, AI 학습 거부권 법제화 운동, 플랫폼과의 협의 체계 등 공동체적 움직임도 함께 병행되어야 한다. 결국 작가가 주도권을 갖기 위해서는 예술가가 기술을 몰라도 된다는 태도에서 벗어나, 창작자이자 기술 사용자, 커뮤니케이터로서 복합적 역량을 갖춘 존재로 거듭나야 한다.