전통 음악가는 AI 음악 시대에 어떻게 경쟁력을 확보할까?

AI는 이미 음악을 ‘창작’할 수 있는 시대에 접어들었다. 단순한 편곡이나 배경음악 생성 정도가 아니라, 감정을 담은 멜로디와 가사, 장르별 스타일을 자동으로 구성하고, 심지어 실존하는 가수의 음색을 모방해 노래까지 부를 수 있다. Midjourney가 시각예술을 대체한 것처럼, Jukebox, Suno AI, Amper, Aiva 같은 AI 음악 툴은 상업 음악의 판도를 빠르게 뒤흔들고 있다. 이러한 흐름 속에서 가장 큰 위협을 느끼는 존재는 바로 전통 음악가들이다. 수년간 악기를 연습하고, 작곡을 배우고, 무대 경험을 쌓아온 이들에게 ‘단 몇 초면 음악을 만들 수 있다’는 AI의 등장은 위협 그 자체다. 하지만 과연 전통 음악가의 역할이 완전히 사라질까? 아니면 오히려 AI가 채울 수 없는 ‘인간의 음악’이라는 영역이 더욱 주목받게 될까? 이 글에서는 AI 음악 기술의 발전이 전통 음악가에게 어떤 위기와 기회를 동시에 제공하고 있는지를 분석하고, 인간 음악가만이 제공할 수 있는 차별화된 경쟁력이 무엇인지 구체적으로 살펴본다. 또한 전통 음악가들이 AI 시대에 살아남기 위해 어떻게 전략적으로 변화하고 있는지를 통해, 감성 기반 예술직의 미래 생존 방식을 함께 탐구해본다.

 

 

AI 음악의 발전 현황과 전통 음악가에게 주는 충격

2025년 현재 AI 음악 기술은 단순한 보조 역할을 넘어서 창작의 주체로 부상하고 있다. Jukebox는 특정 가수의 음색을 학습해 그 가수처럼 노래를 부를 수 있고, Suno AI는 단 몇 초 만에 완곡을 자동 생성해주며, Amper와 Aiva는 영상 배경음악, 광고 BGM, 게임 사운드트랙까지 실시간으로 제작해준다. 이들 도구는 입력된 키워드나 감정어만으로도 상황에 맞는 멜로디와 리듬, 화성을 생성해내며, 대부분의 작업이 클릭 몇 번으로 완성된다. 음악 산업의 비용과 시간을 획기적으로 줄여준다는 측면에서 대중성과 산업적 효율성 모두를 만족시키며 폭발적인 확장을 보여주고 있다. 이런 AI의 등장은 전통 음악가에게 큰 충격이었다. 특히 작곡가, 편곡가, 배경음악 제작자, 세션 연주자 등 기술 기반 음악인의 일자리는 직접적인 타격을 받았다. 예전에는 기업 광고나 유튜브 콘텐츠에 사용될 음악을 만들기 위해 작곡가를 고용하거나 라이브 녹음을 진행했지만, 지금은 대부분 AI 음악 툴을 활용하여 저비용 고속 제작을 선택한다. 라이브 공연 없이도 가상의 가수와 연주로 음악이 유통되고, AI가 만들어낸 보컬은 인간보다 더 정확하고 피치 조절이 완벽하다는 평가를 받기도 한다. 이런 변화 속에서 많은 음악가는 ‘인간 음악가의 자리가 사라지는 것 아닌가’라는 위기감에 직면하고 있다. 그리고 그 위기는 단지 기술적인 측면이 아니라 정체성과 존재 가치에 대한 근본적인 질문으로 이어지고 있다.

 

AI가 대체할 수 없는 전통 음악가의 감각과 인간성

AI 음악이 아무리 정교해져도 인간 음악가만이 표현할 수 있는 감정과 순간의 섬세함은 여전히 대체 불가능한 가치로 남아 있다. AI는 방대한 데이터를 학습해 ‘감정처럼 보이는 음악’을 만들 수는 있지만, 실제로 느끼는 감정을 기반으로 즉흥적으로 반응하고 연주하는 능력은 갖추지 못했다. 예를 들어 라이브 무대에서 관객의 숨소리와 반응에 따라 연주 강약을 조절하거나, 즉흥 연주에서 갑작스럽게 전개를 바꾸는 판단은 인간 음악가만의 영역이다. 특히 재즈, 국악, 월드뮤직, 현대음악처럼 즉흥성과 맥락 해석이 중요한 장르에서는 인간의 감각과 해석력이 핵심 경쟁력이 된다. 또한 음악에는 기술적인 구성 요소 외에도 연주자의 삶, 경험, 문화적 맥락이 담겨 있다. 같은 곡이라도 누가 어떻게 연주하느냐에 따라 감정의 깊이와 울림은 전혀 달라진다. AI는 표현 방식을 흉내 낼 수는 있지만, 그 감정이 어떤 배경에서 나왔고 어떤 의미를 갖는지는 전달하지 못한다. 더불어 사람은 음악을 단순히 듣는 것이 아니라, 연주자와의 교감을 통해 ‘함께 느끼는 경험’으로 받아들인다. 이 감정의 교류, 무대 위에서의 눈빛, 리듬을 맞추는 호흡 같은 요소는 음악 그 자체보다 더 깊은 예술적 경험을 만든다. 결국 인간 음악가는 단순한 사운드의 공급자가 아니라, 감정을 전달하는 매개자이며, AI가 줄 수 없는 인간적인 결핍을 채워주는 존재다. 이러한 ‘인간성’은 기술이 아무리 발전해도 쉽게 넘어설 수 없는 음악가 고유의 경쟁력이 된다.

 

AI 시대, 전통 음악가의 생존 전략 ① 예술적 정체성과 브랜드화

AI 시대에 음악가가 살아남기 위해서는 단순히 연주만 잘하는 기술자에서 벗어나, ‘예술적 정체성을 가진 브랜드’로 변화해야 한다. 과거에는 실력이 곧 모든 것이었지만, 지금은 ‘누가 그 음악을 했는가’, ‘그 사람만의 이야기가 있는가’가 훨씬 더 중요해졌다. 음악가는 자신의 연주 철학, 음악 세계관, 창작 배경을 콘텐츠로 풀어내고, 그것을 지속적으로 기록하고 소통할 수 있어야 한다. 예를 들어 피아니스트가 단순히 곡을 연주하는 것이 아니라, 그 곡을 선택한 이유, 연주에 담긴 감정, 연습 과정에서 겪은 고민 등을 브이로그나 블로그, SNS를 통해 공유하면, 청중은 음악을 단순히 듣는 것이 아니라 ‘이 사람의 삶과 감정을 함께 경험하는’ 형태로 받아들이게 된다. 이런 과정을 통해 음악가는 AI와 명확히 구분되는 감정 기반 브랜드가 된다. 또한 유튜브, 인스타그램, 네이버 블로그 등 다양한 플랫폼을 통해 자신의 콘텐츠를 유통하고 팬층을 형성해야 한다. 기존에는 매니저나 기획사 중심이었던 음악 유통이 이제는 1인 크리에이터 시대에 맞춰 개인화되고 있으며, 이는 독립 음악가에게 더 큰 기회가 되고 있다. 공연 외에도 강의, 클래스, 멘토링, 음악 해설, 인터뷰 등 콘텐츠화 가능한 활동을 병행하면 생존의 기반은 더 단단해진다. 특히 전통음악가의 경우 한국 고유의 악기나 장르에 대해 ‘해설 가능한 아티스트’로서의 포지셔닝을 확보하면 국내외 시장에서 차별화된 가치를 가지게 된다. 결국 전통 음악가의 생존 전략은 단순한 연주 능력이 아니라, ‘자신의 세계를 말할 수 있는 사람’으로서의 브랜딩에서 시작된다.

 

AI 시대, 전통 음악가의 생존 전략 ② AI와 협업하는 크리에이터로의 확장

AI와의 경쟁이 아닌, AI와의 협업은 전통 음악가에게 새로운 기회를 만들어준다. 이미 일부 음악가는 AI 작곡 툴을 활용하여 기본적인 트랙을 생성하고, 그 위에 자신만의 멜로디를 더하거나 악기 연주로 감정을 입히는 방식으로 ‘인간+AI 하이브리드 음악’을 만들고 있다. 이는 단순히 효율을 위한 작업 방식이 아니라, 음악 제작의 새로운 접근이다. 예를 들어 국악 연주자가 AI로 생성된 일렉트로닉 비트를 기반으로 장단을 입히거나, 전통 악기 소리를 샘플로 학습시킨 AI에게 새로운 음향을 실험하게 만드는 것도 가능하다. 이런 방식은 전통 음악에 익숙하지 않은 젊은 세대에게 더욱 직관적인 접근성을 제공하며, 동시에 음악가 자신에게도 창작의 폭을 넓혀주는 역할을 한다. 또한 음악가는 ChatGPT와 같은 AI 도구를 활용해 공연 기획서, 마케팅 문구, 곡 해설문, 온라인 수업 자료 등을 제작할 수 있으며, 이는 콘텐츠 생산 시간을 줄이고 더 많은 예술 활동에 집중할 수 있도록 돕는다. 더불어 전통 음악가가 AI 시대에 경쟁력을 갖기 위해서는 데이터화된 아카이브 구축도 필요하다. 자신의 연주, 곡 해설, 악보, 창작 노트 등을 디지털화해 축적하면, 이는 곧 ‘콘텐츠 자산’이 되며 향후 교육, 저작권, 큐레이션 등 다양한 분야에서 활용될 수 있다. 궁극적으로 살아남는 전통 음악가는 AI와 대립하지 않는다. 오히려 AI를 도구로 수용하고, 그 위에 인간의 감정과 철학을 입혀 더 깊이 있는 음악을 만드는 사람이다. 기술은 음악가를 대체하는 것이 아니라, 음악가가 더 자유롭고 풍부하게 표현할 수 있도록 돕는 도구가 되어야 한다.